NEW AGE（烦闷时听的东西）

http://baike.baidu.com/view/5792.htm

 

【New Age是什么】

　　New Age被翻译为新世纪音乐，也被翻译成新纪元音乐，是种宁静、安逸、闲息的音乐，纯音乐作品占的比重较多，有歌唱的占较少。New Age可以是纯 ACOUSTIC(即以传统自发声乐器演奏)的，也可以是很电子化的，重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉，洗涤听者的心灵，令人心平气和。New Age很多时与音乐治疗有关，不少New Age音乐说可以治病，也有不少与打坐冥想有关，这与New Age思潮哲学有莫大关系。New Age音乐通常被目为颇为中产阶级的音乐， WINDHAM HILL是最具代表性的New Age唱片公司，New Age代表乐手有ENYA，GEORGE WINSTON，WILLIAM ACKERMAN，YANNI，KITARO等等。

　　New Age (新时代) 又指The Aquarian Age (宝瓶座时代)，西方神秘学认为现在是一个转型期，正准备进入“宝瓶座时代”。“宝瓶座”象征人道主义；人类由追求社会的、物质的、科技层面的进步，将演进到注重“心灵”、“精神”层面的探索，找到超越人种、肤色、民族、国籍以及宗教派别的人类心灵的共通点，认知人类的“同源性”和“平等性”，从而达成四海一家与和平的远景。

　　New Age Music作为20世纪纯音乐的最大发现，来自于一种可以带来内在平静的审美观点。通常来说，它们是一些带着新世纪哲学理念的和谐与非破坏概念的唱片，它们可以鼓舞精神上的超脱和生理上的治疗，其中一些唱片既能给我们以艺术上的享受，又能给我们以精神上的恢复，更有一些音乐家，通过他们特别设计的音波和“无污染构思”音乐理念来使听者的精神境界升华。

　　新世纪音乐是新世纪哲学的对应，它包容从现代轻松音乐一直到冥想型灵魂探索音乐。

　　新世纪音乐采用电子乐器，包括西方与非西方的乐器，及偶尔的歌唱，创造缓和的旋律来适应现代生活快节奏。

　　为寻求精神治疗和超越，新世纪音乐人时常借用非西方音乐的元素--就像新世纪哲学对非西方哲学的吸收一样。

　　这种介于轻音乐和古典音乐之间的新样式。它们大致上可分三大类。第一类是用自然乐器演奏的，包括一般听众熟悉的常规乐器，如钢琴、小提琴、吉他等等，其中被用得最多的，一方面是接近东方乐器音色的乐器，如双簧管、英国管等，另一方面，民间性质的乐器，如曼多林、手风琴、排箫等也常可听到；有些演奏者特别喜欢东方的打击乐器，如小铃、大锣和钟等，现在还有些新纪元音乐家热衷于把那些非洲的战鼓等原始的乐器掺入他们的音乐中，第二类则是电声乐器，它所制造的音响也偏重神秘的、飘渺的色彩，许多新纪元音乐家都是电脑音乐高手。第三类是前二者的混合。有些唱片商在制作这三类演奏形式时，往往还会加上自然界的音响，如鸟鸣林啸、风声鹤唳等等。

　　New Age音乐的风格流派，分为两种：一是直系类（如Contemporary Instrumental等）、二是旁支类（如Adult Alternative等，注意这里的旁支与New Age Music的关系可以是被包括，也可能是包括）、三是地球人都知道（如Natural、Healing等）。对于前两类我会说得多一些，对于都知道的就点一下就完了，没什么可多说的。

　　（一）直系类

　　Contemporary Instrumental

　　在Contemporary Instrumental音乐中蕴含着New Age音乐中的激进电子乐（Progressive Electronic）的美学，但是它却更多的来自于广泛的情感和风尚。激进电子乐讲求的是豪华、精细以及宏大的作曲，而Contemporary Instrumental却自由得多，以至于其作曲很简洁、沉静，也有加入明显的个人独奏以加强其旋律上的可听性。当Contemporary Instrumental想营造一种柔美舒适的情调时，这时音乐家们就会采用大量的原声乐器。80年代早期的钢琴家George Winston的唱片确立了这种音乐的发展方向。

　　不是所有的此类音乐艺人都信奉New Age哲学，即使他们的音乐经常是由相类似的情感所发；而且，Contemporary Instrumental可以从流行、摇滚、爵士、民谣、古典以及世界音乐等音乐中汲取元素。80年代和90年代之后，这种音乐和其它音乐类型进一步的交叉融汇，使得某些音乐家不仅仅局限在Contemporary Instrumental之中。

　　Neo-Classical

　　这种音乐有两点：一是受到古典音乐的影响；二是不用通常的古典音乐演绎方式。很多当代的器乐家都是玩古典音乐出生，但是这些人就不赞成古典音乐中的条条框框，而是打破这些束缚，另辟蹊径，有的就直接将前人的作品拿来按照自己的想法进行重新演绎，这即是新古典。在新古典音乐中除了有来自古典音乐的影响外，还有取自巴洛克、浪漫主义和印象主义等诸多元素。

　　Ethnic Fusion

　　不要将这里的Ethnic Fusion和World Fusion（爵士音乐和世界音乐的融合）以及Worldbeat（加入了西方流行音乐元素的世界音乐）搞混了。Ethnic Fusion一般是建立在New Age音乐的声音和哲学之上，是将传统的各民族音乐融入当代的电子音乐中，以期在西方的偏重技术和自然与民族的文化间找到一种和谐与平衡。爵士音乐家Tony Scott和Don Cherry可能是第一次将世界音乐合成到西方音乐体裁中；Jon Hassell的著名的音乐拓宽了这些Ethnic Fusion实验的范围，并由此在70年代促成了这种音乐类型，后来他又在80年代早期和Ambient的先驱Brian Eno进行合作。渐渐地，这种音乐类型成了当代诸多敢于冒险的器乐家们借用新鲜的节奏和非西方的乐器来拓宽自身音乐领域的一种乐衷的方式，而另外一些人则是在独特的民族音乐中加入当代器乐或是新世纪音乐的成分。后者的艺术家如Clannad（塞尔特民谣）、Ottmar Liebert（弗拉门哥）、Kitaro（日本传统音乐）和R. Carlos Nakai（美国本土笛乐）。90年代早期，Enigma, Dead Can Dance和Deep Forest又在这种音乐中引入了俱乐部跳舞节奏以及混音技术，其应用可以从欧洲中世纪音乐直到采样的非洲土著音乐。但尽管如此，这种音乐也很少可能有更大的市场突破。

　　Meditation

　　冥想（可以看作是一种高级的打盹方式）。在New Age风行的今日，冥想成为New Agers实践的一种重要方式，同时也产生了配合这种方式的音乐。在New Age音乐中就有很多的音乐就是专门为冥想活动而做的（有时是不太适合当音乐来听的）。这种音乐一般没有明显的节奏，音乐上表现地平滑、流畅，使听者能够放松身心，有时音乐家们也会借助一些自然的声效来加强意境的渲染。

　　Solo Instrumental

　　这种音乐通常是音乐家们经由民间音乐激发的灵感而创作，其演绎通常是纯乐器，如钢琴、吉他、塞尔特的竖琴纯乐器，甚至还有铸打成的洋琴。这种音乐直接促成了Windham Hill和Narada这样的成功的新世纪音乐厂牌，而这些厂牌又在其发展中将这种音乐导向印象主义的方向。这种音乐中有不少作品是颇具创新的，并且也非常感人。只是到后来，有些二流的音乐机会主义分子混进来，结果使得这种音乐落了个“听觉壁纸”这么个名声，当然，一些出色的音乐艺人仍一直在向人们展示着这种音乐的真实所在。

　　Techno-Tribal

　　Techno-Tribal是Ethnic Fusion的独特变种。尤其多见在一些激进的电子原音音乐家的作品中，他们将人类最原始的音乐表达和当今的技术手段（尤其是电子音乐技术）进行创造性的融合，具体来说就是将非洲、澳洲以及南北美洲的部落音乐节奏用高超的电子音乐重新演绎。创作这种音乐需要极高的技艺和对音乐的感知，如果音乐家能够成功地将以上两者结合在一起，则结果将是一部非常出色的作品，而反之，则将成为此音乐赖之以存的那些文化的拙劣模仿。

　　（二）旁支类

　　Adult Alternative

　　这种风格包括的范围较广，他是在人们不想听一般的流行乐但又不想偏离主流的背景下产生的。这种风格的音乐受到Pop、Rock以及Jazz Fusion影响较多，大部分情况是以器乐为主，好的音乐家可以创造出优美的旋律、丰富多彩的乐器音色以及富于活力的节奏，偏离主流而不脱离主流，当然，这其中也有一些作品只是陈词滥调的流行乐而已。

　　注：Adult Alternative是个宽泛的词，并不仅指New Age Music

　　Ambient

　　这个不用多说了吧！想必大家都知道的。

　　Chamber Jazz

　　这种音乐的外在表现是以小型的基于原声器乐的演奏团体形式出现，在这种音乐中有两个重要因素：一是即席创作，这时就更偏向于爵士风格；二是其中的民族乐（Ethnic）元素，因此上它也吸取了世界各地文化的传统音乐。这种音乐的创作倾向于新古典主义的音乐美学以及受到印象派的影响。

　　Electro-Acoustic

　　这种音乐的风格经常会代表着音乐技术发展的本身，但是与一般采样和用合成器合成复制原音不同的是，这种音乐的作曲者是在于要将原音进行变异的处理，有时甚至会达到一种不可感知的状态。真正的此类艺术家从不会用现代合成器上预设的音色，而是自己创作出独特的音色。在这类音乐中的前卫领域中，电子的成分在作品的整体理念中发挥着更为重要的作用，而同时也应用原音乐器来为作者的技术增加一种全新的听感角度。最后，这种音乐具有其两面性：好的作品可以给予听、想和感知一种全新的世界，而差的作品则便会沉溺于技术而忽略音乐的情感表达。

　　（三）地球人都知道

　　Healing

　　照字面理解就行了，这种New Age音乐可以让听者在听音乐的同时能够得到类似治疗的效果，这种音乐的结构和声音大部分都取自Contemporary Instrumental。

　　Nature

　　无需多说！在Contemporary Instrumental音乐中融入自然的声音，以此将艺术和大自然融为一体。

　　Self-Help

　　这种音乐也是建立在Contemporary Instrumental基础之上，也许同时就是Contemporary Instrumental，Self-Help更加突出这种音乐的意图－让听者能够听着轻柔的音乐来放松心情。

　　Relaxation

　　理解同Self-Help

　　Spiritual

　　理解同Healing

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【New Age的哲学理念】

　　1981年，有一位名为坡·文特的萨克斯的演奏家，更是身体力行：拒乘轿车，坚持吃素，最后躲进森林里去，用他的萨克斯与狼对啸。他被认为是“新纪元”音乐的教父，然而我们完全可以往前追溯得更多些年代找到更多的祖宗。把今日“新纪元”音乐家们的作品，和早期的浪漫派音乐相比，难道不会使我们发现什么有趣的相似之处吗？我们在柏辽兹的《恰尔洛德在意大利》中所感受到的，不也是一种自我放逐的孤独的快乐吗? 能否把李斯特的《降D大调音乐会练习曲》放在“新纪元”专柜上卖呢？ 它也不正表现了人们面向大自然时的冷淡和安详吗? 瓦格纳对16世纪骑士时代的缅怀，与恩雅的那些朦胧而神秘的歌声，又有什么不同呢?

　　在新纪元音乐唱片的专柜上，还可以找到许多干脆就是把维瓦尔第、考累利等古典音乐家的作品配上瀑布声音作为“新纪元”音乐发售。这多少说明了这种新纪元音乐的倡导者们的意图：听着这种音乐，让人仿佛置身于大自然之中，换句话说，就是忘记西方现代文明社会的喧嚣和忙碌。因此，除了大自然之外，久远而神秘的古代，纯朴而素雅的民谣，也是新纪元艺术家们所热衷的题材。恩雅之所以能够走红，正是因为她的歌适应了厌倦摩托时代的听众的需要。你怎会想到，一张发黄的小照作为封套的唱片，对于怀旧的人们竟有如此的魅力。

　　的确，从反叛的角度而言，新纪元和浪漫主义有很多相似之处。音乐史上每一种新的风格，都是在时髦与反时髦的斗争中形成的。就像稳健的古典主义是对轻巧的洛可可风格的反叛；感情至上的浪漫主义又是对崇尚形式的古典主义的反叛一样，新纪元音乐是轻音乐领域里的后现代主义思潮对传统审美观念的反叛。所不同的是，古典的也罢，浪漫的也罢，它们的反叛都是在传统的审美范畴中进行的。尽管在风格上、思想观念上有很多变迁，但二者的背后却有着共同的哲学观念，那就是对生命、对快乐的理解：生命属于我们只有一次，应当活得崇高而有意义。平衡、和谐、安定是这世界上最完美的境界。然而二十世纪的哲学新潮--过程主义的拥护者们却认为，过程和终极是对立的两个哲学范畴。生活应当是生命的自由的过程，它是最实际的存在；活着，就应当努力去体会这过程。生命如果被外力---例如种种功名利禄的终极目标---所牵制，就被降低为机械而不自由的过程，这也就否定了生命的价值。因此，为着消除这种异化的最好的途径，就是自我松绑，返璞归真，改变传统的以未来某个目标为生活中心的人生观，把自己从功利目的中解放出来。

　　伴随着这种哲学，西方出现了反理性的艺术，它的主要观点是，在作品中强调或为着建立一个终极目标--例如高潮或是中心--以及为此所作的种种努力，那是对艺术的本质的束缚。生命既是一种维护和扩展自己的过程，那么和谐、安定、平衡便是不可能永久存在的。追求完美是不切实际的。

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【New Age的发展历史】

　　一般认为新世纪音乐(New Age Music) 于70年代兴起，至80年代中逐渐成熟。1973年，一群多半是素昧平生的音乐工作者，因在旧山举办的The San Francisco Festival in Honor of Comet Kohoutek而得以交流。这次音乐节让音乐工作者，如Joel Andres、 Steven Halpem 等人发现即使他们从前末曾交流及合作，但大家的音乐创却有许多共通之处。他们的音乐同时是以冥想与心灵层面为出发点而创作，由于这种音乐风格跳脱过去人类所有的音乐型态，于是人们将这种音乐定名为「新世纪」。

　　在20世纪80年代初，一位名叫米恰•琼斯的加拿大钢琴家写了一本曲集。那里收进的乐曲，都有很美丽的、画面似的标题，例如《彩虹之后》、《梦境之外》、《阳光谷》、《太空蝴蝶》等。他在前言里面写了一个自己的小传，说他曾想成为一个音乐画家，后来，慢慢地，他找到了自己的音乐语言。这时候，他不再追求用音乐去描绘什么形象，而是表现感觉，那种静夜里雪花落下轻触地面的感觉；吹过莎草的清风的干燥呼吸的感觉；远天闪电的折纹的感觉；傍晚的湖水拍打着岸边的感觉……

　　米恰·琼斯的乐曲都很安静，大多数都用一种音型不断地反复着；和声简单，很少有复杂的不和协音响，似乎变格进行和调式风格更多见；旋律纯朴，通俗易懂；音调的个性不强，有时甚至没有旋律。听着，听着，你会忘了这是米恰•琼斯的音乐，而是树叶的悄悄细语。

　　这位钢琴家在1983年的时候遇到一家音乐出版公司的经理，这位出版商一直想推出一种新鲜口味的、适合人们在休闲时候听听的音乐。两人一拍即合，不久米恰的作品便渐渐在美国流传起来了。最初，这种音乐还不那么起眼，各家唱片店的老板又不知道该把它放在哪一栏里，它像轻音乐，没有什么深奥的道理，可又有几分古典音乐的风骨和气派；它是通俗的，可又显示着超脱的情调；它是易于流行的，但是却没有一般的流行音乐那么平庸或骚动。有些唱片店就只好把它列在所谓最新到货专柜下，渐渐的，就成了气候，港台的一些刊物亦随之改译作“新纪元”或“新世纪”音乐。

　　New Age早期的音乐形态是以环境音乐 (Ambient Music) 为基础演变而成。也有人称环境音乐为自然音乐、绿色音乐等。New Age Music录制过程大多以自然声响及旋律构成，其音乐形态受风行于70年代後期的Fusion (融合音乐，即爵士乐和摇磙乐结合的风格) 乐风所影响，因此New Age Music会如Fusion Music一样，在音乐当中加进了电子合成音效，如使用回音、电子乐的回响（Reverb）以及其他利用空间创造出的声音技巧，营造极其优美的曲风，模拟幻化的空间质感。

　　80年代之后， 许多年轻乐手 (摇滚派/融合派) 放弃了电子音乐的华而不实，重投Acoustic (即以传统自发声乐器演奏)。人们开始放弃了物质世界的追求，投向追求理性自然的生活，追寻心灵的满足。因此80年代中期，以寻求心灵与自然满足的New Age Music发展已经逐渐成熟， 不仅延续修身的冥想，并且不断加入重视环保、阐扬人文思想、关怀世界的理念，因而奠定它自成一派的宽大视野。

　　1994年来自德国「谜」（Enigma）乐团推出了一张充满新世纪色彩的葛利果宗教音乐，在全球创下千万张的销售量，奠定 New Age 的地位，和古典乐、流行乐鼎足而立于吒当今乐坛。在当时，可谓音乐界最大的震撼，音乐界人士都认为新世纪音乐的时代终于来临了。

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【New Age的特点】

　　1．节奏：

　　New Age的节奏很多是存在于音乐自然的律动与音符的强弱之间。其实，大部分NewAge之所以要摒弃传统的节奏，是因为有了鼓、贝司与打击乐器，音乐的形态就会被限制死了，而New Age是自然而自由的，有着风一般的流线姿态。

　　2．旋律：

　　New Age的旋律就与流行乐完全不同，其即兴演奏的味道很浓。聆乐者不仅很难记住旋律，而且更不知道旋律会在什么时候、什么地方终止。这也就是New Age音乐结构赋予大家极大想象空间的原因之－。

　　3．和声：

　　New Age所用的和声大部分是相当和谐的，不协和音在New Age里使用甚少。这也是为何New Age听起来予人非常祥和之感的原因。

　　4．音色：

　　New Age的音色是透明的、神秘的，充满朦胧氛围，老实说，听New Age听到深处时，最大的享受之一便是音色的变幻。

　　除了这音乐的四大要素之外，New Age最大的魅力就是赋予聆听者一个极大的想象空间，你可以不受形式限制，自由地在无限的想象空间中驰骋。

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【New Age的分类】

　　谈到将新世纪音乐进行分类，要将之分成特别严谨的类别是非常困难的。新世纪音乐是注重感觉的音乐类型。它的分类前提不是音乐上的元素而是听觉上的效果。比如太空音乐，环保音乐，气氛音乐，圣歌，这些都是在听觉上的分类。但新世纪音乐还存在另一种分类的方式，那就是从制作方式划分。而制作方式又分两种，一是制作的器材，是电子乐器还是原声乐器或者混合乐器，还有就是制作素材中的音乐素材，是古典还是民族，是纯乐器还是纯人声。基本上公认的有以下几种：

　　1、部落（Techno Tribal）高科技音乐与民间音乐相结合的音乐。

　　2、精神音乐（Spiritual）着重精神感染力的音乐，扩张人想象力。

　　3、太空音乐（Space）营造无比庞大的空间感，令人飘飘欲仙。

　　4、器乐独奏（Solo Instrumental）这种风格是真正的新世纪发烧友喜欢的，比较典型的是BANDARI（班德瑞）这样通过乐器来体现心灵对自然感悟的音乐。

　　5、自助音乐（Self-Help）重视个人化的体悟。

　　6、新古典（New Classical）欧美古典音乐的现代化，使用电子音效代替原本的大型交响乐团，并且将人声电子处理，进行更新。

　　7、电子新世纪（New Age Electronic）纯电子制作的新世纪音乐。

　　8、原声新世纪（New Age Acoustic）人声为主的新世纪音乐，例如法国的音乐家，将人声表现得无与伦比。

　　9、民族混合（Ethnic Fushion）实际上是将世界音乐与新世纪音乐彻底得融合，有很多这样的专辑，最大好处是保存了许多世界角落里的根源音乐。

　　10、气氛音乐（Atmospheres）着重于音乐的气氛渲染，象一些与宗教有关的音乐。据说在国外佛教的念佛声都有新世纪的版本。

　　还有新世纪音乐中最大的一支:凯尔特音乐。这是一种纯粹的民族划分。前几年的铁达尼号这样的电影原声也使这类音乐风行。

　　６０年代末期，德国一些音乐家将电子合成器音响的概念融入原音演奏或即兴表演方式，启迪了许多新新音乐家运用更多元的手法开拓新的领域。该时期的音乐具备了Ｎｅｗ Ａｇｅ的发展雏形。到了７０年代，在一群艺术家的不懈努力下，Ｎｅｗ Ａｇｅ得以正名，他们把这种非流行、非古典、具实验性质的乐风取名为Ｎｅｗ Ａｇｅ，它指的是一种“划时代、新世纪的音乐”。如今，乐界形成一股百家争鸣、各拥其妙的新势力。正因如此，Ｎｅｗ Ａｇｅ不只是一个单纯界定乐风区别的名词，而是象征着时代的演进、形而上精神内涵改良的世纪新风貌。

　　Ｎｅｗ Ａｇｅ的四大要素：有存在于音乐自然的律动与音符的强弱之间的节奏，总体感觉自然而自由，有着风一般的流线姿态；其旋律具有即兴演奏的味道，在音乐结构上赋予大家极大想象空间；所用的和声大部分是相当和谐的，给人祥和之感；其音色透明、神秘，充满朦胧氛围。

　　Ｎｅｗ Ａｇｅ音乐包容从现代轻松音乐一直到冥想型灵魂探索音乐，所采用的是电子乐器，包括西方与非西方的乐器，及偶尔的歌唱，创造缓和的旋律来适应现代生活快节奏。作为一种涉及范围很广泛的音乐种类，其下又分为——部落Ｔｅｃｈｎｏ Ｔｒｉｂａｌ、精神音乐Ｓｐｉｒｉｔｕａｌ、太空音乐Ｓｐａｃｅ、器乐独奏Ｓｏｌｏ Ｉｎｓｔｒｕｍｅｎｔａｌ、自助音乐Ｓｅｌｆ－Ｈｅｌｐ、新古典Ｎｅｗ Ｃｌａｓｓｉｃａｌ、电子新世纪Ｎｅｗ Ａｇｅ Ｅｌｅｃｔｒｏｎｉｃ、原声新世纪Ｎｅｗ Ａｇｅ Ａｃｏｕｓｔｉｃ、民族混合Ｅｔｈｎｉｃ Ｆｕｓｈｉｏｎ、现代器乐Ｃｏｎｔｅｍｐｏｒａｒｙ Ｉｎｓｔｒｕｍｅｎｔａｌ、气氛音乐Ａｔｍｏｓｐｈｅｒｅｓ。

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【代表艺人】

　　恩雅——新世纪音乐女王，天籁美声代言人

　　恩雅（Enya），这位８０年代末到９０年代初崛起的爱尔兰女歌手是全球唱片销量最高的新世纪音乐家，4座格莱美奖得主、奥斯卡奖得主、世界音乐奖得主、全英音乐奖得主、全球最佳艺人奖得主。她的歌有着中世纪的幽静和飘逸。身为音乐奇才的恩雅与著名音乐制作人Nicky Ryan及Nicky Ryan的妻子——著名的诗人Roma Ryan组成3人制作团体，集作曲、演唱、编曲和演奏于一身，甚至连混音与合成都一手包办。她周游于流行乐和古典传统乐之间，天籁般美妙的、不食人间烟火的嗓音迷煞了世界上大部分的听众。 《水印》、《牧羊人之月》、《凯尔特人》、《树的回忆》、《星空彩绘》、《雨过天晴》、《永恒之约》、《岁月之声》及2008年新作《冬季降临》，她的专辑张张都是唱片行最热销的唱片，张张都跻身多国榜单的前十。

　　恩雅在新世纪乐派的领导地位几乎已无人可以挑战，平均每张唱片销量在1000万张，至今已拥有7000多万张的唱片销量，是全球唱片销量最高的歌手之一，全球唱片销量最高的新世纪音乐家，全球唱片销量最高的爱尔兰音乐家。曾为英国女王和瑞典国王等演唱过。还应邀为包括《魔戒（指环王）》在内的多部大片制作和演唱主题曲。2000年发行的专辑《A Day Without Rain雨过天晴》在全球狂卖1300万张，其中的单曲《Only Time唯有时光》在美国9.11事件后更成为人们的安慰剂，美国各大电视台均用《Only Time唯有时光》作为背景音乐。难怪恩雅每出一张新专辑，就连我们中国的中央电视台都会马上报道，也难怪中国著名的本土诗人西川都会专门写了一首赞美诗送给恩雅呢！

　　Karunesh

　　Karunesh于1956出生在德国科隆。他从小就就与音乐结下了不解之缘，并加入了各式各样的少年乐队参加了很多演出表演。他修的是图形设计专业，但却经常感觉到这不是他生命中真正想期待的东西。在经历了那场车祸，一场差点让他丧命的车祸后，他毅然决定放弃他的原有的工作。这次"接近死亡"的经历被证实成为他生命中灵魂的一次转折点。Karunesh旅行至印度，他在poona的阿什拉姆（印度教徒隐居地）遇到 Osho 奥修，正式为自己取了个宗教名字——Karunesh，梵文译中为"同情，怜悯"。

　　1984年，他的第一张专辑《Sound of the Heart 心灵之声》发行了，并迅速成为"新世纪音乐"市场中销量最好的一张专辑。凭着《Sound of the Heart 心灵之声》450000张CD的销售量，Karunesh确立了自己在世界顶尖New Age艺术家之中的地位。而在接下来的一年内，他的另5张专辑也同样取得了较好的销售业绩。

　　作为第一个把世界音乐紧密融入新世纪音乐的艺术家，他的作品赢得了无数的荣誉和尊敬。其被命名为World beat或world fusion的乐风成了众相模仿的对象。

　　喜多郎——新音乐的先驱

　　可以说，早在７０年代便开始致力于研究电子合成音乐的喜多郎（ｋｉｔａｒｏ），是Ｎｅｗ Ａｇｅ音乐的首席代表，他的作品有着日本Ｎｅｗ Ａｇｅ音乐开路先锋的独特风格。将古典、流行、爵士融入电子音乐，这种不同于西方音乐的东方魅力，使得ｋｉｔａｒｏ从首部作品《天界》面世开始，就得到了世界上越来越多的听众的肯定（当然很多人对于他的音乐比对他本人更为熟悉）。

　　《丝绸之路》系列的推出以及佳作《敦煌》的面世，都让国内的听众备感亲切。对中国题材音乐如此情有独钟，难怪喜多郎先生一直坚持“中国文化才是日本文化的根”。

　　沉浸在喜多郎的音乐宇宙里，你就会发现自己犹如沉醉于自然万物的流动韵律，只要闭目聆听，便有意想不到的美妙天籁应运而生了。

　　如果此刻你正打开音响感受喜多郎，那么你发现流淌在你周身的音乐给你带来什么变化了吗？请同样好好感受这一次——自己的深呼吸……

　　雅尼——音乐也讲创新

　　雅尼，当今最伟大的New Age大师，全球闻名的演奏家、作曲家，两度被格莱美奖提名，其作品在过去十年中一直是奥林匹克运动会广播音乐的最爱。

　　雅尼1954年11月14日出生在希腊一个沿海的小镇，家中有三个孩子，雅尼有一个哥哥和一个妹妹，小镇上每到夜幕降临，总会有人欢跃的起舞，雅尼正是在这样的环境下对音乐产生了兴趣。

　　雅尼出生在一个虽谈不上贫寒，但也并不富裕的家庭，父母每天都要为家人的生活而奔波，雅尼和同年龄的伙伴一样，在游泳、钓鱼和上学这三件事为主的度过童年生活，八岁开始弹钢琴，去接触这个八十八键的乐器，但是他却拒绝上钢琴课，而父母也同意他那样子弹钢琴，“好，想什么时候弹就什么时候弹，想弹什么就弹什么吧！”他的父母在雅尼成名后，如是说道。

　　童年的雅尼把看电影做为自己的一项乐趣，而在每场电影中，他并不十分注重电影的故事情节，而是极力的去用脑子记下电影的配曲，回家后再用钢琴模仿的把它们弹出来，并在以后逐渐丰富旋律，他给这些曲子取名为新音乐，因为他总是在不断的给每个曲子加进去更好的效果做更好的改善！

　　雅尼在故乡希腊的童年生活和希腊所特有的氛围给他今后的很多曲目赋予灵感，其中最着名的就是星球大战的配曲——桑托里尼。

　　雅尼不仅仅是一个爱好音乐的人，在1969年他14岁那年，打破了希腊国家男子50米自由泳记录。

　　1972年，在父母的鼓励下，他离开了希腊，奔赴美国明尼苏达大学开始他的大学生活。在大学的几年里，他开始运用电子合成器和钢琴来做出新的音乐效果，并得到很大启发！

　　最初，雅尼曾立志成为一名临床心理学家，18岁的时候，他被美国明尼苏达州的一所大学接收，移居美国并主修心理学。然而，毕业后雅尼却选择了他钟爱的音乐事业。“我决定用一年的时间去尝试。我参加了一只名为“chameleon”的摇滚乐队，并在一些夜总会进行演出。整整一年我沉浸于音乐当中，我从没感到过生命是如此令人愉悦。就这样，我找到了值得我用一生去做的事。”

　　雅尼专心致志于音乐，从中感到无比满足，尽管成功似乎还很遥远。“我取得成功用了很长的时间，尽管很多时候连生计都难于维持，但我并不在乎。创作是一件非常快乐的事。创作的过程是我人生的最大乐事之一。”

　　与LINDA EVANS在Oprah Winfrey show中登场是雅尼一生的巨大转折点。之后雅尼的事业蒸蒸日上。从纽约Radio City Music Hall的演出开始，他的音乐会通过电视先后在65个国家播放，1998年的TRIBUTE在全美巡演总排行中位列第二。但那些不堪回首的日子却教会雅尼许多东西，使他一直受益至今。“回顾过往，我了解到我学到了许多准则，让我可以集中意志以使创作顺利进行。没有人会教给你这些，只有用心体验生活才能获得。”

　　偶尔，雅尼会在工作室呆上几个星期而写不出任何东西。为何创造力时而像火山喷发般势不可当，时而又坚若磐石？雅尼对此产生了浓厚的兴趣。“当我在创作某些曲子时，我对此有了进一步的了解。我了解到创造和判断是相对立的，当你在创作时判断，你就会不在状态，被创造力拒之门外。也就是说，当你判断时，最佳创作时间已过去了。”雅尼并不相信“创造力障碍”之说。“‘创造力障碍’完全是一种构想出的东西。它并不存在。创作完全是一种心境，当你的确置身其中时，灵感根本不会枯竭。”人们常犯的错误是误以为创造力遥不可及，其实它就来自内心深处。为了和内心深处的创造力接触，雅尼学着去封闭外界。“你必须摆脱外界乾扰。关掉电视和收音机，别去接电话，也别管门铃。对我而言，与外界隔离非常有益。过去，我要几个星期的时间才能进入创作状态，而如今，六个小时就足够了。”

　　虽然出生于希腊，雅尼却认为地点与灵感无关。“你不必在高山之巅俯瞰风景，也无需在草地上久坐。说真的，我最钟情于黑暗。我有很多作品都是在地下室完成的。那里没有窗户，很暗，也很静。灵感总能到来。”

　　雅尼在创作时不理睬任何事物。“我告诉我的朋友们，即使核弹爆炸也别打扰我。”雅尼当然知道与世隔绝容易被西方文化误解，“这看起来是反潮流的，我记得当我开始这样做的时候，我的朋友都认为我非常古怪。但今天他们已了解，创作时的我和平时的我没有两样。虽然当初我花了不少功夫去说明，但他们今天都很能理解我了。”

　　对雅尼而言，这种忠于内心的创作方式是他音乐生涯所不可少的。“我认为如果你全身心地投入某一事物，体验这内心之旅，你就会深深地沉浸于其中以致令生活向你展露它的本质。当我作曲时，我考虑的不是我在“作曲”。音乐是一种用来探索我内心世界的媒介。”

　　雅尼对音乐始终保持着无限的热情。“音乐是一种难以形容的语言－－它越过了正常的逻辑思维，直接向人们的心灵倾诉。因此我不喜欢在我的作品中加入明确的唱词。对我而言，必须考虑的事就是忠实于情感。我尽全力去表现事实。我要传达的是我的生活感受和那些对我非常重要的事物。”

　　不同的环境，不同的气候以及不同的语言对于雅尼来说都是一个新的开始，多年的奋斗后，于1976年毕业于明尼苏达大学，并获得心理学士学位。毕业后，他决心利用一年时间来全身心的投入音乐，他在以后的回忆中，他曾说过那是他最快乐的日子，尽管当时他们只是出入一些酒吧及歌厅等娱乐场所做演出来挣得生活的基本来源，尽管他们经常会过着没有依靠的日子，但是，在他仍然乐此不彼的去实现他的梦想。后来他参加一个乐队，并在乐队里充当键盘手。

　　雅尼最终放弃研究心理学而投身音乐，并决定以后在音乐中度过一生，这个时候他已经能够熟练的掌握钢琴和合成器，于1980年推出他的第一张新个人专辑《Optimystique》，并开始一心一意的走他的音乐道路。

　　此后，雅尼尝试运用更多的乐器进行音乐编排，并连续推出两张个人专辑，之后移居到美国电影工厂——好莱坞。在86年到96年的十年里，每年推出一张专辑，直到世界巡回演出《TRIBUTE》的推出。

　　1993年9月25日，他在希腊雅典卫城的音乐会，是他人生的一个伟大转折，也是他登上人生音乐舞台的全新起点，从此雅尼不再是一个无名小卒。1996年开始他一连贯的世界巡回音乐会将他的音乐推向世界，而并不是去图经济目的，多数的演出收款都捐给家乡或者当地的社会福利机构。他是第一个来中国紫禁城演出的西方音乐家，当时在机场接他的是我国文艺界人士蔡国庆。在此后的将近四年时间内，他和他的乐队并没有沉迷在所做的成绩，于2000年推出新专辑《IF I COULD TELL YOU》，虽然有人对这张专辑的评论是和《DARE TO DREAM》那张专辑中多数曲子的节奏很感觉是一样的，但是这是他推出全新的一张纯电子音乐专辑，虽然说不及音乐会的现场版，但是同样精彩。

　　在《IF I COULD TELL YOU》专辑推出后，便开始忙于挑选更多的音乐新人，继续按照自己的梦朝前走，雅尼于今年推出一张全新专辑《ETHNICITY》，现在正在美国和加拿大等地做巡回演出，相信不久演出的实况可以会买到了。

　　雅尼一生都没有放弃自己的音乐事业，而是在孜孜不倦的引导自己和他的朋友们进行音乐创作。

　　雅尼说：“你不必在高山之巅俯瞰风景，也无需在草地上久坐。说真的，我最钟情于黑暗。我有很多作品都是在地下室完成的。那里没有窗户，很暗，也很静。灵感总能到来。”他经常告诉他的朋友不要在他构思音乐的时候去打扰他，即便是原子弹爆炸也不要去告诉他，我想他的这份对音乐的执着和对音乐的喜爱已经在感染感染更多的人。

　　如今雅尼已移居美国加利福尼亚州，创建了私人音乐公司。相信他的梦一定会更好的实现，他的音乐也会陪他走到UNTIL THE LAST MOMENT。

　　这是Yanni于2006年发行的最新演奏会专集，是一张充满激情，令人鼓舞的作品！

　　整场演奏会精彩绝伦的独奏部分给人留下了深刻印象，是演出的亮点，尽管它占的比例有些偏多。很明显的是，这次的整体交响乐部分比起上两张演奏会专集来说是有些缺乏的，不过，这次Yanni很明显把重心放在了电子乐和低音部分，从而很好的补充了交响乐的不足。对于Yanni的忠实乐迷来说，这次的作品可谓是带来了些许惊喜，爵士小号，竖琴，洋琴等的大量运用，给整个演出增色不少。事实上，Yanni为了让他的电子乐更充分发挥作用，起用了比以往更加小型的室内管弦乐团。

　　而在卫城和紫禁城的演出中，他都运用了中型的交响乐团，从而使得这次的演出效果不如以往那么大气。

　　比较Ethnicity中的Rainmaker和此次演奏会中的Rainmaker就会明显听出差别，Ethnicity中的管弦乐更加丰满，完整；而这次的作品则显得有些空洞。总的来说，如果说卫城和紫禁城的演出是注重整体结构，那么这次的演出则是更偏重于个别的细节，尤其是相当精彩的独奏部分，非常值得一听！强烈推荐！

　　雅尼现在已经成为全世界最具有创新精神的作曲家和演奏家之一，他成功地掀起了一阵热潮。他最擅长的事情是通过音乐与人达到共鸣，无论是通过他的音乐会还是通过电视和电台的广播，或者通过他的音乐专辑。

　　强力推荐的是他的专辑《雅尼雅典卫城音乐会》，作为他的第十个个人专辑包含了他那些最经典的音乐作品（专辑包括了“圣托里尼岛”，“给想象钥匙”和他那首白金热门曲“热情的反射”），管弦乐队在新版本中并不是追加的，而是作为整个音乐的整体。作为一个作曲家，Ｙａｎｎｉ从来不去遵守那些过去确立的规则，在这个专辑里也不例外，他打破了交响乐团那些传统的经验，这么做的结果是产生了丰富的节奏并且优雅的音乐。

　　班得瑞——自然全接触

　　班得瑞乐团是由一群年轻作曲家、演奏家及音源采样工程师组成的，１９９０年发迹瑞士。他们从开始执行音乐制作，便深居在阿尔卑斯山林中，直到母带成品完成。置身在自然山野中，让班得瑞乐团拥有源源不绝的创作灵感，也拥有最自然脱俗的音乐风格。班得瑞的音乐里，展现了他们独特的编曲手法，以清爽的配乐架构出零压力、零负担的乐曲，他们细酌每一轨声道的解析度，使音域更宽广，音场效果更具空灵感，完全让你融入到大自然中去……

　　目前，其流行世界的作品有《仙境》、《寂静山林》、《蓝色天际》以及新推出的音乐情诗《风之羽翼》等。

　　神秘园——怎能不神秘

　　神秘园是一支著名的新世纪音乐风格的乐队，它由挪威作曲家兼键盘手（罗尔夫•劳弗兰）和爱尔兰女小提琴手（菲奥诺拉•莎莉）组成。乐队融合了爱尔兰空灵飘渺的乐风以及挪威民族音乐及古典音乐，乐曲恬静深远，自然流畅，使人不知不觉便已融入其中。

　　其首张专集《Ｓｏｎｇ Ｆｒｏｍ Ａ Ｓｅｃｒｅｔ Ｇａｒｄｅｎ》的伤感绝对能杀死人，让人像迷失在神秘的丛林里，黑暗的看不到天，找不到出口。沉溺在这样的黑暗中，像一个人孤独地坐在路边大树的阴影下，静静看路上人来人往，别人看不到你，你也不想被看到，因为你害怕，因为你孤独，你知道这不是什么好事，但只有这样，受伤的心才能感到一丝安全，这样的孤独一直在诱惑你。其中的《夜曲》（Ｎｏｃｔｕｒｎｅ）一曲是乐队的成名作，曾获１９９５年欧洲歌唱大赛冠军。另一曲《来自神秘园的歌》（Ｓｏｎｇ Ｆｒｏｍ Ａ Ｓｅｃｒｅｔ Ｇａｒｄｅｎ）在组建乐队前就在挪威发表并流行。迷幻之乐配以天籁之音，整首曲子让人听完后如同经受了一次心灵的洗礼。难怪身边总有人按下ＲＥＰＥＡＴ键，一次又一次让这段旋律在耳边回旋。

　　莎拉·布莱曼——纯粹的月光女神

　　莎拉·布莱曼说：我只是尽我所能，发挥上帝赐予我的天赋。在美丽、冷艳的外表后面，她游走于音符之间，放任在流行与古典的边缘。她的歌声充满了个人特质，让人充满迷惑与想象，能给航行在海上的水手带来一种方向感、归依感。她的音质纯净、通透，尤其演唱不食人间烟火的角色时格外惹人怜惜。

　　作品首推其巅峰之作《ＬＡ ＬＵＮＡ》月光女神　。这是一张以“月亮”为概念的专辑，其中收录了古今欧美知名的与月亮有关的单曲，包括流行歌曲、电影配乐，甚至是古典音乐重新填词，再经过高雅精致的编曲混音，搭配上莎拉布莱曼独一无二的空前美声，该专辑绝对给你一种充满迷惑与想象的轻松飘逸感。

　　英格玛——中世纪魅力

　　Ｅｎｉｇｍａ（谜）这支来自德国的乐队，是早期准许引进内地的国外音乐之一。对于Ｅｎｉｇｍａ来说，他们喜欢用现代电子乐来表现神秘主义的主题，使人产生一种时空交错的奇妙感觉。乐曲中的人声也非常美妙：女声亮丽动人，如夜莺一般悦耳；男声低沉隐约，令人着迷。这是一种天生的美国式的圣歌，一种通过西方流行音乐节奏表现出来的遥远的非洲部落或严肃的宗教的回声。

　　１９９０年首张发行的Ｅｎｉｇｍａ大碟《神秘古国之声》（Ｓａｄｎｅｓｓ Ｐａｒｔ）中，有着中世纪教堂唱咏以及极具诱惑力的女声独白，电影配乐式意境在Ｈｏｕｓｅ Ｂｅａｔ上，构成宗教意味加神秘色彩的舞曲……

　　女巫医——梦呓神曲

　　可能《女巫医》本身远比它的作曲新纪元音乐全才梅德温来的更有名气。该专辑的乐器演奏，运用南美的轻松节奏，直笛、键盘及敲击乐器演出天籁之音，让人闭上眼可以想象出一幅热带雨林的奇异景色，百听不厌。梅德温说：“我的音乐使人们减轻压力并放松精神，它具备某种精神和你心灵深处的灵感，它具有震动的音调，不猛烈的节奏。我的音乐与其说是我的创造，不如说是对灵魂的洗涤。我不想让人们睡觉而是让他们进入能做任何事情的梦境；鼓励他们发挥他们自己的创造力。”

　　神思者——组合乐队

　　作为日本New Age音乐三巨头之一，擅长写心灵音乐的“神思者”S.E.N.S.，是由Akihiko Fukaura（深浦昭彦）和Yukari Katsuki（腾木由加莉）两人成立于1984年的电子键盘乐团。

　　乐队原名“Sensitivity Project”(感性企划室),后为了让乐迷们能够藉着《海上丝路》配乐三部曲（分别为《海神》、《伽罗》、《茶之圆舞曲》），加深对他们的印象，更名为有“Sense”（感性）和“Cense”（焚香）两种意义的“S.E.N.S”。步入千禧年以后，“S.E.N.S”的创作理念，延伸到“Sound（声响）、Earth（土地）、Nature（自然）、Spirit（心灵）”的层次。 1988年，“神思者”因在日本NHK公共电视制播的纪录片“丝路系列”的《海上丝路》中，担任作曲、编曲与演奏的工作而声名大噪。

　　姬神

　　作为日本NewAge界的领军人物之一，姬神在音乐会上投入了相当大的精力。以平泉毛越寺的净土曼陀罗音乐会为发端，在日本全国各地燃起姬神的热火。姬神将大多数音乐会举办于野外，屡获成功，比较著名的除前述平泉法乐会外，还有小岩井农场音乐会、青森县三内丸山绳文文化遗迹音乐会和青森县里津轻十三湖音乐会。而除致力于反映本国本土传统文化，为本国人民创作属于日本的新民族音乐外，姬神也积极地向海外发展，吸引其他国家的音乐元素，比如曾经与姬神数度合作的大陆著名二胡演奏家许可（风之绳文中的『花かんざし』就是）。2000年秋天，为纪念姬神二十周年而在埃及、以色列举行的音乐会更让世界感受到了姬神。回国后发行的『千年回廊』吸收了中东当地的音乐，听来别有不一样的风味。

　　久石让

　　久石让的音乐观念受到菲利浦·葛拉斯(Philips Glass)、史提夫·莱奇(Steve Reich)、史托克豪森、约翰·凯吉(John Cage)等人，以及日本近代作曲家武满彻、三善晃的影响。 1981年久石让推出第一张专辑《Information》，确定了自己的音乐风格，之后更为《风之谷》、《W的悲剧》(根据夏树静子推理小说改编)、《两个人》等影片配乐，这些出色的音乐令他声名鹊起，从此几乎日本知名卖座电影都找他创作配乐，数量至今已经超过40部。除了令他闻名遐迩的电影配乐外，他还创作了不少现代风格的音乐专辑，邀约不断的久石让自称三天可以写出七十首作品，有着旺盛的创作力。

　　梅德温

　　Medwyn的音乐旋律优美，富于表现力，给人以激情。它的作品中不仅有描写南美安第斯风情的，如“女巫医”；又有描绘美洲印第安部落的，如“守护神”，“鹰的精神”；还有崇尚大自然的，如“海豚”等。这些作品把人的精神带入了崇高的境界，远离世俗的喧嚣。Medwyn Goodall:从在Cornwall的乡下的家中和工作时里开始Medwyn Goodall把全部的精力放在了通过音乐来表现大自然的美丽和灵秀。虽然他的主要工具就是吉他，但是他还可以演奏许多种其他的乐器，就是靠着吉他，他发展了一种独特的音乐类型 - 旋律优美,富于表现力 -即使人心静如水，又让人富于激情。

　　Nicholas Gunn

　　http://baike.baidu.com/view/208595.htm

　　http://www.verycd.com/search/folders?kw=nicholas+gunn&tags=%E9%9F%B3%E4%B9%90&start=0

　　长笛家NICHOLAS GUNN是一位很早就进入新世纪音乐圈的音乐家

　　从长发潇洒的Nicholas富有激情的The Sacred Fire到留一头精神而时尚的发型显得更有魅力的Crossroads，到现在简单的不能再简单的造型，留了一小撮胡子的Nicholas从岁月里看出了沧桑。

　　2001年推出了个人的首张精选辑，浓缩自己今年来所有专辑的精华，并加以融合改变让其成为一张富有整体感的全新专辑。

　　Nicholas Gunn的长笛永远是我最陶醉的乐器之一，略带涩音笛管里所发出的阵阵优美让人向往。作为一代Newage音乐大师的他由圣火一炮而红，大峡谷让他家喻户晓，十字街头更是让人流连忘返。每个成功音乐家都有自己的特点，Nicholas的音乐总是有着固定的节奏，一定音场范围，它属于自然，属于广大的空间。对于一直处于钢筋森林里的人们是一剂很好的绿色调味酒。滋润心灵的良药。

　　作为一个非常洒脱而充满灵犀动感的作者和演奏者，Nicholas Gunn一贯给了我们所永远可以随时品味和享受的音乐，而无需考虑当时的心情是阳光或者乌云的，因为Nicholas Gunn的音乐就是那样的流澈，清涓而仿似不沾染一丝人间的俗气，永远是那样的脱俗，干净而充满灵性。无论是耀眼的阳光下，他仿佛为一杯清凉而爽口的冰镇乌梅汁，可以舒服的更加感受阳光心情的快乐；也可以在乌云密布的悲哀失望时，更似一味心灵鸡汤，给你振奋，给你鼓励，不断的冲刷中，过滤掉许多的烦恼和忧愁，仿似站立在悬崖峭壁，神臂展望四周般的心血澎湃。作为一贯的Nicholas Gunn的清澈的音乐风格，贯穿在作者的所有作品中，或许这种灵感来自他亲临美国西南部的大峡谷后，但是，他几乎每张专辑都有其独有的个性和内涵，激动的，温存的。

　　Matthew Lien

　　http://baike.baidu.com/view/958882.htm

　　马修·连恩是一位出生于圣地亚哥、寄居于加拿大、却又因为热爱大自然而四海漂泊的歌手和作曲家，也是一位热衷环保事业并用音乐来唤起人们环保意识的艺术家。从《狼》的推出到《驯鹿宣言》，无一不充满人类对身边最忠实的朋友--动物的关爱。

　　Era

　　http://baike.baidu.com/view/162537.htm

　　Era，英文原意为"时代、世纪"，是一个风格与Gregorian（格林高利合唱团）接近的音乐团体，其灵魂人物是法国音乐家Eric Levi。关于Eric Levi，我们所知的确实不多，甚至也只在Era的作品中见过他的名字。但是Era系列几张作品获得的成功反响，为他与日俱增的名气奠定了优厚的基础。

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【中国的New Age】

　　刘星1997年的作品《湖》/《Spirit of Lake》

　　静静地，没有声息。我感觉到它，它总是这样想说又不想说。纯静，和谐，与世无争，就像一个泛音。它骚动是因为风的诱惑，湖性如此。一个甜的腻人的梦，在反复抒情之后，将命运交给别人，有想像，无创造。它从不涌动也绝不流露，无论是在阳光下还是在月光下。我望着它，它平静的不行。

　　专辑曲目：

　　1.State of Ignorance无知的境界

　　2.The Rays光线

　　3.Form状态

　　4.The Invisible Sword无形之剑

　　5.Dark Grey深灰色

　　6.Sense of Security安全感

　　7.Guise装束

　　8.Floats飘浮物

　　9.Imagination想像力

　　10.The Lake湖

　　11.Nothingness虚无

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RAPCN

　　他是新世纪最年轻的思想家、音乐家、艺术家

　　他是美国说唱天皇JAY-Z的模仿对象

　　他影响了中国的说唱文化

　　他倡导了中国的文艺发展

　　他用声音颠覆了世界音乐

　　他阐释了信仰、思想阐述了人生含义

　　他就是RAPCN

　　[对立面平衡共融共存的名字才是最好的名字]

　　[对立面平衡共融共存的声音才是最好的声音]

　　[对立面平衡共融共存的思想才是最高的思想]

　　《CHANGE THE WORLD》

　　【原版专辑简介】

　　这是人类历史上不可超越的音乐最高境界

　　这是有声世界里无可匹敌的声音最高极限

　　这是任何事物都必须遵循的思想最高定律

　　这是改变世界的专辑

　　http://www.5d5y.com/listspecialmusic.mspx?specialid=1428

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林海

　　十二岁开始接触爵士乐，加上扎实的古典音乐训练，让林海的音乐散发著独特的气质。他的钢琴，犹如印象派波光粼粼；突如其来的转调，聪明得让人惊奇；简单的动机，可以发展成令人目炫的光影；单纯的旋律，瞬间蜕变为壮丽的浪漫。 他游艺于古典、New Age、现代、爵士多风格之间，乾净、空灵、温暖、恬静、自然。淡淡流露的文学况味，让乐曲飘散著人文气质，朴素、简静的创作风格，再现了他自己的心灵世界。

　　风潮唱片心灵音乐诗系列音乐专辑：

　　《清香落》 《含笑》 《去做人间雨》 《素颜鸽》 《花舞》

　　《樱花雨》 《七星海》

　　个人钢琴专辑《城南旧事》

　　个人钢琴专辑《日月西东》

　　音乐专辑《笑弯了一根扁担》

　　音乐专辑《女窥》

　　电视剧原声专辑《太平公主》

　　个人钢琴专辑《猫》

　　个人钢琴专辑《月光边境》

　　个人音乐专辑(扬琴)《蝶舞》

　　音乐专辑（林海范宗沛作品集）《故事》

　　个人钢琴专辑《流动的城市》

　　个人音乐专辑（琵琶）《琵琶相》

　　个人钢琴专辑《远方的寂静》

　　个人钢琴专辑《爱情风华》